La Historia se repite (y se ignora)

Fuente | YouTube rtve / PasquiLoLxD

Un deseado 'tranvía'

Fuente | rtve.es

Todavía puede verse en el Teatro Español de Madrid -tranquilo, tienes hasta el 10 de abril- uno de los acontecimientos teatrales de la temporada: 'Un tranvía llamado deseo'; un título que se basta y se sobra para generar expectación, pues su argumento está instalado desde hace décadas en el imaginario (cinematográfico) colectivo. Pero esta nueva versión llega cargada de alicientes, que pasa a valorar Javier Vallejo (El País):

"Para la mayoría, 'Un tranvía llamado deseo' es esa película de Kazan donde el brutal Stanley Kowalski interpretado por un Marlon Brando desbordante se fajaba en lucha desigual con la temperamentalmente frágil Blanche DuBois de Vivien Leigh. Kowalski y DuBois personifican el enfrentamiento entre el estadounidense nuevo, hijo de emigrantes, brutalmente hecho a sí mismo y los últimos vestigios de una aristocracia terrateniente sureña en vías de extinción. Con Blanche, desaparecen del mapa norteamericano el viejo orden, el deseo disfrazado de cortesía, el gusto por la cultura europeizante y un lenguaje trufado de circunloquios insufribles y de citas superfluas.

Es significativo que Kazan conservara en el filme el reparto entero de la producción original de Broadway (dirigida por él mismo), salvo a la actriz protagonista: Laurence Olivier le convenció para que fuera a ver a Leigh, su esposa, en el montaje londinense, y de allí se la trajo. Interpretada por una británica rodeada de norteamericanos, la Blanche marcescente pero atractiva de Leigh simboliza la decadencia de la vieja Europa recién autodestruida durante la II Guerra Mundial.

En la versión actual demoledora, desprovista de sentimentalismo, que Frank Castorf, director de la Volksbühne berlinesa, hizo nueve años atrás, Kowalski era un ex sindicalista de Solidaridad, nostálgico de sus luchas junto a Lech Walesa, y Blanche, una exuberante Marilyn Monroe crepuscular, capaz de fajarse con su antagonista de tú a tú. Al final del combate, cuando parecía que nada más podía pasar, la boca del escenario se elevaba por sorpresa, los restos de una vajilla hecha añicos rodaban estrepitosamente pendiente abajo, y ambos protagonistas, más la bellísima Stella, Mitch y una Eunice mulata, remontaban la pendiente hasta quedar los cinco al borde del abismo, 12 metros sobre las cabezas del público.

El montaje que acaba de estrenar Mario Gas en el Teatro Español es fiel a la época, el espíritu y el ambiente de la obra original e incluso a la imagen que de ella transmite la película, aunque devuelve a Blance DuBois al centro del drama, de donde la desplaza en el cine la interpretación torrencial de Brando: lo fundamental aquí es su intento desesperado de agarrarse al estribo del tranvía de la vida, y su cuesta abajo cuando se cierran las manos que le tendían su hermana Stella, vencida por el poderoso vínculo animal que le une a Kowalski, y Mitch, novio incipiente en cuya medrosa voluntad el veneno de la difamación produce rápido un efecto letal.

Apoyado en una eficaz escenografía de Juan Sanz y Miguel Ángel Coso, Mario Gas planea el canto del cisne de Blanche con un hiperrealismo menos minucioso y trabajado que el de sus memorables puestas en escena de 'Franky y Johnny' en el claro de luna y de 'La reina de belleza' de Lenanne. Vicky Peña, actriz tantas veces celebrada, da, por edad, una Blanche muy diferente de las varias que tenemos en la memoria, incluidas las recientes de Cate Blanchett y Rachel Weisz. Esta Blanche, instalada ya en la madurez, parece estar mandando sus naves al combate a la desesperada, con un nivel inicial de afectada coquetería que anticipa el fatal desenlace. Cuando se encandila con el joven vendedor de suscripciones parece reprimirse no tanto por miedo a ir demasiado lejos como por ser consciente de lo difícil que le sería.

Lo mejor de la primera parte es la escena íntima entre Mitch (un convincente Àlex Casanovas) y la protagonista, que abandona su impostura asumida: aquí Peña puede por fin explotar su veta dramática más sincera. El clímax de la segunda parte llega con el cara a cara definitivo entre Blanche, ahora gata sin tejado, y un Kowalski portuario interpretado con naturalidad de chico de barrio por Roberto Álamo, bajo una luz racheada veermeriana obra de Juan Gómez Cornejo. La difícil escena final mantiene la tensión cenital precedente. Ariadna Gil es una Stella con encanto, falta de punta dramática.

Quizás a un proyecto comercial hecho con sentido artístico, como éste, no quepa pedirle una lectura del texto más personal, pero sí una definición de producción y dramática más afinadas. El público de una función de a diario lo aplaudió todo y ovacionó a Vicky Peña".

Fuente | YouTube Juanjo Seoane / EFE

Marsé, el calígrafo

Foto | Jordi Socías

Fuente | El País

Marsé, al cabo uno de los premios Cervantes más justos de la literatura en español, publica nueva novela tras el (eternamente prorrogado) reconocimiento: Caligrafía de los sueños se titula una obra que es, a la vez, la misma canción 'marseana' de siempre y un soplo de aire fresco para la narrativa nacional. Como suena: se puede echar mano de la nostalgia con la vista puesta en el futuro, aunque eso solo esté al alcance de los maestros. Los descreídos, sigan la guía publicada por el crítico José-Carlos Mainer en Babelia:

"Se llama Mingo, que es un ridículo hipocorístico de Domingo, pero quiere que le llamen Ringo, como el personaje de John Wayne en 'La diligencia', de John Ford. Lo recordará algún lector de esta novela como uno de los adolescentes de Si te dicen que caí, el que tiene un padre más declaradamente 'rojo'. Aquí ha cumplido quince años, es hijo adoptado y acaba de perder un dedo en el taller de joyería donde trabaja. Y quiere ser pianista. Nada es lo que parece, o lo que la gente quisiera que fuera, en 1948... En la primera escena de Caligrafía de los sueños, una mujer desesperada se tiende sobre las vías del tranvía pero no son más que dos trozos de raíl que sobrevivieron a la retirada del servicio. Y la calle donde sucede todo tiene el nombre evocador de Torrente de las Flores aunque parece que recibió su designación por los dos apellidos de un antiguo propietario, el señor Torrente Flores. También Victoria Mir, la suicida, se hace llamar 'quinesióloga y quiromasajista' pero ejerce de curandera en su propia casa y hace sus ungüentos con las hierbas que recoge en la Montaña Pelada. Fue la mujer del alcalde de barrio falangista, que se suicidó; su amante, Benito Alonso, fue futbolista y ahora y siempre será un don nadie fantasioso y con pocos escrúpulos, como lo son casi todos: como el capitán Blay y el señor Sucre a quienes ya conocimos en El embrujo de Shanghai.

Nada es lo que parece pero todavía es peor en 'el culo del mundo' -se repite varias veces- que era la Barcelona de entonces (Ringo y sus amigos no olvidarán nunca que el 'malo' de la película 'El signo del Zorro' -era Basil Rathbone; el 'bueno' era Tyrone Power y la chica, Linda Darnell; el director, Rouben Mamoulian- había sido profesor de esgrima en Barcelona: jamás pudieron imaginar que el nombre de su ciudad se oyera en un filme de Hollywood). Pero Ringo intuye pronto la inestabilidad fantasmal de lo que le rodea: 'Como suele sucederle en los sueños, percibe en todo lo que está pasando aquí una mezcla de veracidad y absurdo', leemos al comienzo de la novela. Es su frase clave, si añadimos también a los ingredientes una tragedia impotente y un choteo resignado. Juan Marsé ha averiguado que la fidelidad a la memoria supone confiar en un material muy frágil que el tiempo y el egoísmo modifican inexorablemente. Novela a novela, el escritor ha descubierto que la memoria es cada vez menos exacta (al menos, desde la vuelta de tuerca que supuso Un día volveré). Pero también sabe que quien la cuenta es el que manda. Y los requisitos son dos, que conoce muy bien: hay que tener fuerza para evocar ('¿te sitúas?', repite aquí el contador de 'aventis', como si esto fuera una consigna literaria y quizá un recuerdo de aquella 'compositio loci' que recomiendan los 'Ejercicios Espirituales' ignacianos) y el recuerdo debe acompañarse de un cierto rencor justiciero (Ringo 'contempla la ciudad que se extiende hasta el mar bajo una levísima neblina y rechina los dientes': en el rechinar de dientes está lo que señalo).

Posiblemente, en la mutilación del muchacho, el testigo principal, haya algo de simbólico en orden a lo que se viene diciendo; perder el dedo fue una renuncia a su sueño y quizá un autocastigo, pero sabemos que mediante ellos se ganó la toma de posesión de su verdadero destino: tener derecho a narrar. Para alcanzarlo, ha debido soportar la identidad borrosa de un niño adoptado e incluso ser el culpable de pequeñas crueldades imborrables -la muerte de un gorrioncillo, no haber llegado a entregar una carta que se tragó la cloaca, tratar mal a Violeta y aprovecharse sexualmente de su pasividad- que generaron la mala conciencia y el apartamiento un poco soberbio que siempre habrá de tener un narrador conspicuo. En el capítulo homónimo del libro, 'Caligrafía de los sueños', se escenifica la toma de posesión de esa dignidad de testigo: Ringo coge una hoja limpia de la libreta y un lápiz afilado, y sabe que ya no le interesará la sopa de músicas peliculeras en la que vive sino 'la melodía de las palabras que ahora vuelven', aquel 'mutilado conjunto de notas que la memoria auditiva había guardado y ahora convertía en palabras [...]. Y corrige y concluye el que será, aunque todavía no lo sepa, párrafo seminal'. En toda novela de Marsé hay uno de esos párrafos: madeja que se devana, centro que irradia calor e incendia el resto de los párrafos.

La potestad de narrar hay que merecerla... Juan Marsé lleva más de medio siglo haciéndolo y, por supuesto, Ringo tiene mucho de él. No es una novela autobiográfica. Pero quien sea habitual de los relatos del escritor diría que se trata de nueva destilación de la autobiografía en forma de novela: en El amante bilingüe ya jugó con la doble identidad del personaje central -Faneca y Marés- con ánimo de crear un fantasma suyo en el relato y así burlarse de todos los participantes en la habitual rebatiña de las identidades lingüísticas excluyentes. Aquí, en torno al inicio de una vocación (y de un oficio y de un destino), ha reelaborado o inventado con ternura y sarcasmo las huellas de su propio pasado, lo que incluye el relato de su propio nacimiento y el recuerdo de unos padres adoptivos, que seguramente no tuvieron mucho que ver con los reales: la espléndida Berta de esta novela, siempre confiada en la suerte, y Pep, el Matarratas, anticlerical y republicano, a ratos contrabandista y otros secuaz de un grupo de ayuda a prófugos rojos, que además trabaja en un centro clandestino de torrefacción de café (cuyo olor también impregnaba el cuerpo de Juanita, en Si te dicen que caí, y el de Rosita, en Ronda del Guinardó).

Después de una novela como Canciones de amor en Lolita's Club, que tenía algo de violento reportaje, de respuesta visceral a lo que ahora mismo está pasando, Juan Marsé nos ha vuelto a contar muchas de las razones por las que persiste su fidelidad a un barrio, a unos tipos humanos y a una manera de narrar: en escenas demoradas cuando se siente a gusto en ellas, calibrando cada adjetivo, sumando bulímicamente cada detalle o cada imagen, hasta lograr la intensidad que se busca. Esta vez el relato tiene un tono más reposado y menos tenso, con algo de piedad bienhumorada y con un manifiesto deseo de final feliz. O casi, ya que, a la postre, lo que parecía una deriva de episodios a medias entre la fantasía y la verdad acaba por revelar su entraña de sordidez. Ringo-Marsé la ha descubierto y tiene de qué seguir escribiendo: por ejemplo, haciéndolo de 'los buenos propósitos y su flagrante inanidad'... Lo cual quiere decir que escribirá de la vida misma".

Gimferrer, el rapsoda

Portada del libro

Fuente | Seix Barral

Ha regresado a las librerías el gran poeta (vivo) de la literatura catalana: Pere Gimferrer. Rapsodia es el título de un subyugante poema-libro compuesto en seis días que Ángel L. Prieto de Paula valoraba así en Babelia:

"El sólido prestigio de Pere Gimferrer (Barcelona, 1945) no le ha impedido embarcarse en arriesgados proyectos en los que juega al todo o nada, como si tuviese que trepar a un trono olímpico que ocupa sin disputa desde hace casi medio siglo. El autor que en 1966 había anegado el imperio del realismo con un río de imágenes surreales (Arde el mar), y que dos años después emitía un largo lamento semivelado por los brillos cinematográficos (La muerte en Beverly Hills), dio un primer quiebro cuando mostró al aire las raíces de un yo que, hasta entonces, aparecía y desaparecía en sus irisaciones culturalistas. Lo hizo en catalán (Els miralls, 1970), la lengua de su poesía durante varias décadas. Luego siguieron títulos como L'espai desert (1977) o Com un epíleg (1981), que amagaba con ser la cala del silencio definitivo. Pero el poeta volvió a sorprender con Mascarada (1996), donde a sus motivos anteriores se sumaba una poderosa carga de protesta civil. No sería su última inflexión. Amor en vilo (2006), otra vez en castellano, daba curso a un autobiografismo erótico y desmedido, que aturdió a muchos lectores tanto más cuanto que el autor había trabajado desde sus comienzos con correlatos objetivos y otros resortes para rebajar el confesionalismo. En este punto, y tras Tornado (2008), se entiende la expectación ante Rapsodia, el nuevo y excelente libro de Gimferrer.

Es este un poema-libro articulado en diecisiete secuencias, unitario por el fervor de la dicción y por la irradiación sucesiva de sus imágenes irracionales. Sus tiradas de endecasílabos blancos sortean la monotonía o el sonsonete mediante ocasionales alteraciones acentuales o versos de otra medida; solo difiere la primera serie, escrita casi en su totalidad en alejandrinos: 'Se ha desencuadernado por la mitad mi vida, / como el pienso del alba se desploma en los sauces'... Lo más llamativo es quizá su rescate del Gimferrer inicial, visible en su resplandor arrebatado, su mundo de asociaciones libres, el poema como palimpsesto donde se inscriben versos y motivos ajenos (de Dante a Cernuda, de Garcilaso a Eliot) y la lectura de la vida a través de los filtros del cine, la literatura, la pintura o la naturaleza sometida al arte. Destaca la traducción de las imágenes a palabras (écfrasis), una subversión aún activa de las vanguardias, en cuanto que rompe el orden discursivo como representación del logos; y también, a la inversa, la plasmación visual de las ideas. Aquí están, por lo demás, su universo amoroso, una cierta entonación hímnica teñida de elegía en algunas remisiones al pasado, y la concepción de la poesía en tanto que realidad autónoma que se dice a sí misma y que se aparta de la utilización de las palabras como meros instrumentos para comunicar.

De modo que Rapsodia supone para el lector una especie de reconocimiento platónico de Gimferrer: algo que debe subrayarse, pues en los últimos tiempos el autor nos había habituado a la sorpresa (si vale la paradoja). El libro relee creativamente la tradición gimferreriana más temprana: de Mensaje del Tetrarca (1963) tiene el encendimiento y el empaque cosmológico, aunque no su enfatismo; de Arde el mar (1966), el despliegue de su mapa cultural; de La muerte en Beverly Hills (1968), la nervadura visionaria y su bagaje de metáforas contemporáneas.

Como si quisiera evitarnos lecturas descarriadas, el libro proporciona algunas orientaciones 'ad usum Delphini': la definición de 'rapsodia' del diccionario Oxford (entusiasta y extravagante declamación o composición de tono elevado...), una relación de juicios críticos y una 'Nota' donde el autor explica que su redacción le ha llevado seis días, aunque la corrección le ocupara varios meses. Todo ello es adventicio o irrelevante. Se esforzará en vano o simplemente errará el tiro quien pretenda descubrir un argumentario referencial. Por el contrario, Rapsodia es una construcción sostenida por vislumbres suprarreales: 'La luz de una campana de titanio / envuelve los viñedos, y en las parras / una sirena de cristal de roca / desde el rosal del aire desgajado / separa nuestros ojos'... La intensidad lírica solo desciende cuando los versos ceden al didactismo metapoético, como en la serie XIV, que defiende la autosuficiencia del poema y un lenguaje cuya validez no está supeditada a los significados externos (y aquí resurge el propósito creacionista de Prometeo o de Luzbel, creo que esta vez sí periclitado): 'por versos anteriores al sentido / o por encima del sentido, versos / que significan lo que el verso es, / no lo que puede significar'...

Las fulguraciones de Rapsodia recorren el camino de retorno a la juventud del autor. Soberbiamente dotado para decir la vida en clave artística, Gimferrer ha compuesto un poema recapitulativo cuya maestría y belleza se perciben globalmente, pues todo en él está concertado para la música del conjunto: sin alardes, adornos o excrecencias que pudieran desviar hacia lo accesorio la atención lectora".

30 años x 23-F = 690 versiones

Fuente | rtve.es

Hoy se cumplen 30 años del (pen)último golpe de Estado contra nuestra democracia, el perpetrado el 23 de febrero de 1981. Los medios nacionales soportan estos días, a duras penas, el peso de las batallitas particulares, los enigmas amontonados, las versiones de los héroes y los villanos. Hojarasca. Resulta complicado expurgar el estercolero. De entre las toneladas de lugares comunes y argumentaciones extemporáneas, me quedo con lo que se puede ver, oír y leer en este post: la grabación original de los hechos, servida por rtve.es; el montaje sonoro elaborado por Ángeles Afuera e Iván Coca para la cadena SER; el montaje audiovisual confeccionado por elmundo.es; la 'novela gráfica' publicada por el Magazine de El Mundo el pasado domingo; la ochentera visión de El Jueves a modo de videojuego; y el (desmitificador) artículo de Raúl del Pozo en El Mundo, que dice así:

"Presumimos de tener muchos huevos cuando ya se han desvanecido aquellos que nos querían dar matarile. Nos montamos películas falsas con romances de valentía sobre nuestro pasado, no sólo por oportunismo o vergüenza, sino porque pensamos de manera diferente al momento en el que ocurrieron los hechos. La idealización del pasado, además de un mecanismo de defensa, forma parte de la memoria de la resaca, con vacíos y olvidos que rellenamos con fantasía. 'Intento no pensar en cosas pasadas porque si lo hago', escribe Borges, 'lo estaré haciendo sobre recuerdos'. Tal vez por eso evocamos y revivimos el 23-F como una hazaña cuando fue realmente un doblegamiento. Si repasamos los acontecimientos, nos duele la memoria, recordamos nuestras caras tan blancas como el yeso y sólo recuperamos el orgullo al recordar los millones de ciudadanos que se echaron a la calle a defender la democracia.

No es cosa de repasar los nombres de los valientes y cobardes como si aquello hubiera sido un western. Digamos simplemente, que en el golpe, antes del golpe y después del golpe los valientes fueron peor tratados que los prudentes. Los españoles no votaron, un año después, a los más intrépidos, sino a los más juiciosos.

Veremos cómo lo cuentan hoy. Estén atentos al televisor. Comprobarán cómo vuelven a la sede de la fechoría, que no llegó a ser el lugar del crimen por pura casualidad, para contar con juegos verbales, la charlotada como una hazaña. El Congreso de los Diputados es también el diván de la nación, un buen lugar para las evocaciones confabulatorias; los leones son de bronce y no hablarán, a pesar de ser los guardianes del templo de la palabra, al pie del pórtico, delante de las seis columnas de orden corintio. Si hablaran, confirmarían esa máxima a la que tanto apelan los autores de novelas de espías: un traidor, un agente secreto. Un traidor vale más que 100 valientes. Allí no hubo 100 héroes, ni siquiera 90, apenas tres o cuatro: Adolfo Suárez, Santiago Carrillo, Gutiérrez Mellado y alguno más. Tal vez se portaron con tanta audacia porque eran los más desesperados y asustados.

Aquella no fue la hazaña de Daniel ni la de Don Quijote cuando se quedó solo con una espada ante el león que abrió la boca y sacó dos palmos de lengua, lavándose con ella el rostro, antes de volver a la jaula. Yo estaba allí y no echo planas a nadie. En ningún momento pensé morir como un romano, pasé más miedo que en el dentista cuando me apuntaba con las manos temblorosas un cabo primero de la Guardia Civil de Tráfico.

Y así casi todos. Veremos y escucharemos cómo lo cuentan los padres de la Patria, cómo rememoran aquel esperpento cuando ya está en el desolladero".

Fuente | El Jueves

30 años de ARte COntemporáneo

Fuente | rtve.es

Entre hoy -para los profesionales- y mañana -para el resto del públicos- se abren las puertas de ARCO, la feria internacional de arte más influyente de nuestro país, que en 2011 cumple treinta años. Antonio Lucas la presentaba así El Mundo:

"Para algunos, la 30º edición de ArcoMadrid 2011 [...] es considerada la edición del miedo. Para otros la de la oportunidad. Lo que si está claro es que la feria apunta a una firme voluntad de cambio, con el proposito de encontrar el modelo más adecuado a la situación y que sea sostenible para lo que pueda suceder en los próximos años.

El encargado de dirigir la cita, por primera vez, es Carlos Urroz que ya ha marcado su propio territorio: en esta edición hay menos galerías -197 que representan a 21 países- así como una apuesta por las nuevas generaciones, tanto de artistas y galeristas, que toman una presencia más definida, como de compradores. Muestra de ello son los espacios 'Opening' (que incluye a 19 jóvenes galerías europeas) y 'First Collector' (que busca atraer a nuevos amantes del arte contemporáneo).

Juana de Aizpuru fundó esta cita internacional hace 30 años. Y aunque el dinero no galopa por sus anchos pasillos como hace un lustro, a la galerista no le sorprende que Arco haya llegado a cumplir 30 ediciones. 'Estaba convencida de que sería un éxito rotundo. Se trataba de abrir una ventana al exterior para nuestros creadores y de propiciar un coleccionismo español que no existía. Y ahora, con Carlos Urroz, la Feria se reiventará', afirma. Un sentimiento compartido por muchos.

Una feria que, no podía ser menos, se ha adaptado a los nuevos tiempos. En esta edición, Arco ofrece la posibilidad de obtener aplicaciones gratuitas para iPhone, Blackberry, iPad... 'Facebook también se ha convertido para muchos de nosotros en un espacio de intercambio de ideas y de apertura de mercado', apunta Nacho Ruiz, de la joven T20.

Clásicos y emergentes conviven en esta edición, pero las grandes firmas de siempre han ido cediendo su sitio. Tàpies figura de un modo más cauto. Chillida también se diluye. Y destacan pintores alemanes como Forgg o Alex Katz, repartidos en varios stands. Y se vuelve a insitir en algunos clásicos del pop, como Roy Lichenstein".

"Telebasura tu puta madre"

Fuente | YouTube rtve

Un capítulo más de la (dolorosa) intrahistoria de Twitter ha sido escrito en los últimos días. Y así  lo ha descodificado un inmisericorde Javier Pérez de Albéniz en su blog:

"Telebasura tu puta madre, guapa', escribió Jordi González en esa ruleta rusa llamada Twitter. Y después, arrastró el ratón a la casilla 'Tweet' y apretó el botón izquierdo. Cagada. El bueno de Jordi respondió así, en caliente, a una twittera que había dicho lo que muchos pensamos: que Telecinco hace telebasura. Ese macarra, zafio y desproporcionado 'Telebasura tu puta madre, guapa' llegó, firmado por todo un presentador de televisión, a los 14.562 insensatos que siguen a González, gurú de la... telebasura.

Es evidente que Twitter lo carga el diablo. Lo fascinante no es ya la utilización precipitada, acalorada e irresponsable de las redes sociales, algo normal en un país de cotorras como el nuestro. Lo verdaderamente fascinante es lo mal que asume la gente las críticas, aunque sean razonables, argumentadas e incluso comedidas. Analicemos el caso de Jordi González...

Jordi no es catedrático de comunicación audiovisual, ni filósofo socrático, ni tan siquiera un intelectual de medio pelo. Jordi es presentador de 'La noria' y 'Más allá de la vida', dos ejemplos perfectos de cuán repugnante puede llegar a ser la televisión. Amarillos, manipuladores, groseros. Lo que cordialmente llamamos 'telebasura'. Gracias a estos  programas miserables Jordi tiene un sueldo espectacular, es conocido en toda España y su futuro dentro del mundo de la televisión comercial es inmenso. Jordi es una estrella, un triunfador, que lo tiene todo, excepto una cosa. Prestigio. Una pena, porque lo que Jordi valora con mayor intensidad en estos momentos, lo que desea por encima de todo lo demás, es precisamente eso. Prestigio.

Suele pasar. Una vez que las cuentas del banco están saneadas, que te piden autógrafos por la calle y te invitan en los restaurantes, lo importante es obtener cierto reconocimiento social. ¿Crear una ONG o una fundación? Cualquier cosa excepto que te relacionen con la tele cochambre. Las grandes estrellas de la televisión sensacionalista reniegan, bipolares ellas, de aquello que las ha hecho ricas y famosas. Y quieren, mecachis, algo que resulta incompatible con su trabajo. Prestigio. Ahí tienen a Javier Sardá, Jorge Javier Vázquez, Boris Izaguirre o a Ana Rosa Quintana, ejemplos perfectos de astros de la telebasura con ínfulas intelectuales. 'Soy una chica de barrio ilustrada', dice una Ana Rosa convencida de que 'el término telebasura es un insulto para los profesionales'.

La felicidad pasa por conformarnos con lo que tenemos. ¿Somos profesionales de la telebasura? Pues tan contentos. Asumamos nuestras miserias, levantemos la cabeza, disfrutemos del Audi y de los aplausos de regidor y, sobre todo, sintámonos orgullosos de haber conseguido tanto con tan poco. Esta es, no lo olvide, una sociedad grande, libre y sucia. 'Las cadenas privadas emiten lo que les sale de los... testículos', sentenció el pasado sábado en 'La noria'  un Jordi González crecido. Tiene toda la razón. La pena es que de los testículos sólo les salga... telebasura. Lo siento por sus egos, sedientos de prestigio".

El Goya, para el que lo trabaja

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Palabra de 'twittero'

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World Press Photo of the Year 2010

Jodi Bieber

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'Enredados': clásico número 50 de Disney

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Para conmemorar el acontecimiento que supone alcanzar el número cincuenta de sus 'clásicos', Disney ha tirado la casa por la ventana, realizando la película de animación más cara de la Historia. Para Jordi Costa, la jugada no ha salido del todo mal:

"Si 'Enredados' -enérgica integración de la figura de Rapunzel al imaginario de las princesas Disney- merece pasar a la historia no es solo por ostentar la cifra ilustre de quincuagésima película del corpus canónico del estudio: su toque de distinción está en su capacidad para prolongar y reproducir la estética tradicional de los clásicos Disney a través de la animación digital, sin que el purista acabe por ver, en el cambio de lenguaje, una traición estética.

El logro no es pequeño: hasta el momento, las producciones de animación digital Disney (no confundir, aquí, con la excelencia asociada a esa sucesora dinástica que es la marca Pixar) habían cobrado la forma de tentativas fallidas en busca de una identidad. El cuidadoso diseño de la fauna animada de la precedente 'Bolt' (2008) hacía justicia a una importante parte del legado Disney, pero 'Enredados' logra revivir, directamente, en cegadores colores de síntesis y texturas tridimensionales, el esplendor de ese renacimiento del estudio que arrancó con 'La sirenita' (1989) y llegó a su hipérbole con 'La Bella y la Bestia' (1991).

Para subrayar las intenciones del plan maestro, se rescata a Alan Menken, emblemático compositor de esa etapa, que compone una partitura con, al menos, un tema inolvidable: 'Mother knows best', la canción de Mamá Gothel, excepcional bruja de turno de la función.

Las excelencias estéticas de 'Enredados' tienen un nombre propio: el director de animación Glen Keane, figura clave en la resurrección disneyana de principios de los noventa. En este equilibrado cóctel de cuento de hadas y comedia de acción hay caracterizaciones de gran eficacia cómica (el caballo Maximus, la patulea de falsos tipos duros de la taberna), espectacularidad y encanto libre de cursilería, pero, sin duda, más allá de su poder de seducción para el interesado en las sutilezas de la animación, el gran logro es su capacidad para convocar, de nuevo, la esquiva alquimia de aquello que Disney llamó su 'Mágico mundo de colores".

50 aniversario de la primera actuación de Beatles

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La publicidad crece en internet

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Enrique Meneses: oxígeno para el periodismo

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Enrique Meneses representa uno de los más notables ejemplos del viejo periodismo que sobrevive adaptándose (de manera sobresaliente) a las nuevas tecnologías como si fuera un jovencito... de más de ochenta años. Acaba de estrenarse una película documental sobre su figura, 'Oxígeno para vivir': motivo suficiente para dejarse llevar por un (fascinante) personaje y por una obra irreprochable.

La tira de Nacho [04/02/11]

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Televisión pública ¿o privada?

Fuente | rtve.es

Al diputado popular Ramón Moreno parece afectarle una (des)memoria de elefante, pues olvida los tejemanejes perpetrados por su partido cuando (Aznar) gobernaba España y su televisión pública, cuyos servicios informativos se convirtieron en un estercolero en el que el hediondo Alfredo Urdaci campaba por sus respetos. Lee, si no, lo que apuntaba en su blog (oficial) hace unos días:

"Votaré a la izquierda porque de ella depende el futuro de este país y de mis hijos'; 'todos sabemos que la derecha sólo atenderá los derechos de unos pocos, por eso soy miembro del partido socialista'. No, no me he vuelto loco ni tampoco son frases tomadas de un mitin del PSOE en el que encajarían como un guante dialéctico, tan falso como subjetivo, aunque podrían ser frases admitidas y obvias en ese contexto. En realidad se trata de palabras pronunciadas por una de las protagonistas de la nueva serie de TVE titulada 'La República'.

La fijación de los responsables de TVE por la República y la Guerra Civil es llamativa. Ambientar buena parte de la oferta de ficción en esos periodos no es ingenuo ni casual. De una parte, se acusa la sequía imaginativa más importante del panorama audiovisual. Además, el sesgo monocolor denota un obstinado interés por recrear la historia a la carta, a gusto del mensajero que coloca su mensaje con la coartada y el paraguas de una serie televisiva que no tiene por qué ajustarse al rigor histórico y se ampara en la libre interpretación de la época.

Una televisión pública moderna debería desembarazarse de todos los fantasmas, de clichés ideológicos, de caspa revisionista, de formol monotemático. A pesar de las audiencias que todo lo avalan para algunos, el riesgo cierto de insistir en ese clavo es, entre otros, el de hacerle un flaco servicio al objetivo estratégico de rejuvenecer la audiencia de TVE.

Casi el 30% de la audiencia que sigue emisiones como 'La República' tienen más de 64 años. Un segmento de edad (target) que baja a la mitad de ese porcentaje en el mismo horario de prime time otros días (por ejemplo el miércoles cuando se ofrece 'Comando Actualidad')".

Bla, bla, bla, bla, bla

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La tira de Nacho [28/01/11]

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Adiós a Paco Maestre

Paco Maestre en su último trabajo

Fuente | rtve.es

Ha muerto uno de mis más ilustres paisanos, el actor Paco Maestre, a quien disfruté con mayor provecho en el teatro que en el cine o la televisión y a quien recuerdo -fuera, memoria selectiva- en un par de ínfimos espectáculos en el Festival de Mérida, el certamen teatral de su (y mi) ciudad, en el que no seleccionó demasiado bien sus apariciones. Así relataba Rosana Torres en El País su despedida:

"El actor Paco Maestre ha fallecido en el Hospital Clínico de Madrid, donde fue ingresado hace unas horas, clínicamente muerto, tras sufrir un infarto de miocardio mientras grababa un capítulo de la serie 'Amar en tiempos revueltos', que se emite en TVE1 en las sobremesas.

Maestre era de esos grandes secundarios del cine y la televisión, y sobre todo el teatro (donde hizo más de un protagonista) que pertenecía a una generación de actores que venía a sustituir a los también geniales cómicos desaparecidos como Agustín González, Manuel Alexandre, Antonio Gamero, Luis Ciges y tantos otros.

Nació en Mérida (Badajoz) un 2 de julio de 1957, en una casa de la calle Sagasta, muy cercana a Las Siete Sillas en pleno Teatro Romano, en el que juega parte de su primera infancia.

Emigrado a Madrid en 1968, vive en los barrios de la periferia: Carabanchel, Vallecas, Entrevías y Villaverde-Bajo. De familia humilde, deja su trabajo en una oficina, al librarse de la mili por obeso, y se mete a actor hace más de tres décadas y se titula por la Real Escuela de Arte Dramático de Madrid.

Lleno de recursos dramáticos Maestre trabajó en numerosas ocasiones, gracias a su educada y buena voz, en personajes del teatro lírico, como en sus últimas óperas, '¡Verdugo, verdugo!' y 'El pueblo de la avaricia', ambas de Leonardo Balada, bajo la puesta en escena de Gustavo Tambascio, director con el que Maestre trabajó en numerosas ocasiones. De hecho anoche Tambascio decidió llamarle para ofrecerle el papel de Cherubini en la zarzuela 'El dúo de la Africana' que va a montar en breve.

También trabajó bajo las órdenes de directores de cine como José Luis Alemán, Pedro Almodóvar, José Miguel Juárez, Mariano Barroso, José Luis García Sánchez, Agustí Villaronga, Álex de la Iglesia, Luis García Berlanga, Carlos Saura y José Luis Cuerda, además de ser un miembro destacado en las películas de La Cuadrilla.

A pesar de disfrutar mucho haciendo cine y televisión su pasión nada oculta era el teatro, en su versión dramática y lírica. No hace mucho obtuvo un gran éxito interpretando a Espasa de la zarzuela 'La del manojo de Rosas', dirigida por Emilio Sagi.

Recibió el Premio Max de Teatro en 1998, por su interpretación en 'Pelo de Tormenta', de Francisco Nieva en el Centro Dramático Nacional. También tiene en su haber el Premio Unión de Actores por su trabajo en 'Barrio' de Fernando León de Aranoa. También obtuvo el premio Ágora del Festival de Almagro a toda su carrera, otorgado por un jurado de críticos y expertos teatrales. Ha sido finalista unas cuantas veces al premio Unión de Actores.

En teatro trabajó bajó las órdenes de directores como Ángel Facio, Carmen Losa, Hadi Kurick, Ignacio García, José Antonio Ortega, Calixto Bieito, José Pascual, Juanjo Granda, Juan Carlos Pérez de la Fuente, José Carlos Plaza, Robert Wilson, Eduardo Fuentes, Francisco Nieva, Mario Gas, Miguel Narros y José Estruch, entre otros muchos.

En televisión también ha hecho otros fundamentales trabajos en series como 'Ana y los siete', 'Manos a la Obra', 'El Comisario', 'Pepa y Pepe' o 'Lleno por Favor'.

De carácter afable en los últimos tiempos había empezado a cuidarse una quebrada salud que años atrás le había producido problemas circulatorios, aunque algunos amigos hoy también lo achacan a su compulsiva adicción al tabaco y su tendencia a la obesidad, a pesar de que en los últimos tiempos se había quitado muchos kilos.

Hace unos minutos Tambascio recordaba los problemas físicos que atravesó cuando hicieron 'La discreta enamorada' y cómo Maestre se peleaba con su gran amigo, el también actor Emilio Gavira, cuando éste estaba dejando de fumar y Maestre le mortificaba diciendo que lo único que iba a conseguir era que se le agriara el carácter y tuviera mal humor. 'No había manera de que reconociera que tenía problemas serios de salud', ha dicho Tambascio.

El infarto le ha sobrevenido mientras grababa lo que ha terminado siendo su último personaje en 'Amar en tiempos revueltos', Celso, un hombre sin escrúpulos que no tiene la más mínima compasión por sus semejantes y que Maestre interpretaba midiendo maravillosamente las pausas y los silencios y aportando una frialdad al personaje, un fascista de la División Azul, que cortaba la respiración y conseguía dar verdadero miedo y repugnancia".

De elBulli a elBullifoundation

Fuente | YouTube rtve

Ya se ha desvelado el secreto acerca del futuro que depara al que hasta este año ha sido el mejor restaurante del mundo, El Bulli. El prestidigitador gastronómico Ferran Adrià comandará elBullifoundation, que tiene previsto abrir sus puertas en 2014 y que su(s) responsable(s) presenta(n) así:

"¿Qué es una fundación?

Es un ente que suele tener un componente social importante, y sobre todo sin ánimo de lucro. Lo cual significa que no reparte beneficios, sino que siempre los reinvierte en la propia fundación.

¿Cuándo se constituirá la Fundación?

Estamos estudiando actualmente todos los requisitos de carácter legal, pero la idea es que se constituyera en el año 2013, aunque tal vez el proceso se acelere y se concrete antes.

¿Por qué se articula a través de una fundación?

A partir de la decisión de dar un cambio de timón cabía ver de qué modo se implementaba el proyecto. Y la opción más adecuada nos parecía la fundación. Creo que ya que hemos tenido tanta suerte en la vida, que nos ha permitido ejercer en lo que más nos apasiona durante tantos años, ahora llegaba el momento de devolver algo a la sociedad. En este sentido, habríamos podido optar por colaborar con organizaciones caritativas, o aportar dinero a las diferentes ONG que hay en el mundo. Pero había otro camino, que es el de crear un proyecto en el que, a través de la creatividad, pudiéramos alimentar la rueda de la excelencia, siempre con la idea de contribuir a la sociedad. Dicho de otro modo, crear talento significa crear riqueza y puestos de trabajo, aumentar la competitividad de nuestro entorno.

¿Cuál es el objetivo de la Fundación?

La fundación tiene dos objetivos principales. En primer lugar deberá ser el archivador de elBullirestaurant, tanto a nivel físico (documentos, libros, objetos) como digital. En segundo lugar, será un centro de creatividad, con la idea de crear y, posteriormente, compartir ideas y hallazgos con Internet.

¿Cuál es el lema de la fundación?

El lema de la fundación es:

Habrá riesgo

Libertad

Y creatividad

Por ello no habrá horarios

Ni reservas

Ni rutinas

elBulliFoundation

Libertad para crear

¿Cómo se va a financiar la Fundación?

En primer lugar hay que aclarar que es una fundación privada. De entrada los primeros en aportar dinero seremos Ferran y Juli, a través de las ganancias que puedan reportar nuestros otros negocios. También iremos analizando el papel de espónsors o patrones, pero siempre teniendo claro que es un proyecto cuya principal premisa es la libertad.

¿En la Fundación sólo creará o también se investigará?

Los trabajos de estudio extensos, históricos, científicos, de investigación, se harán en Alicia. En la Fundación se creará, no se harán trabajos monotemáticos extensos y rigurosos.

¿Se podrá visitar?

La intención es que se pueda venir a conocer elBullifoundation con un sistema de visitas concertadas y en unos meses concretos. Estamos trabajando en la idea, puesto que nos gustaría acoger al máximo de personas, siempre, una vez más, que este flujo no distorsione el trabajo diario.

¿La Fundación será una escuela?

No, la misión de la Fundación será crear. Existen ya grandes escuelas de cocina y de restauración, por lo que nuestra aportación no debería entenderse desde la perspectiva de la docencia. A lo que podemos aspirar es a enseñar a pensar, a ayudar a pensar, puesto que la actitud y la mentalidad adecuada son las que permiten crear de manera positiva y provechosa.

¿Dónde estará ubicada la Fundación?

En Cala Montjoi. Disponiendo de un lugar tan maravilloso como es la ubicación actual de elBulli, no tendría lógica plantearse otro lugar. La Fundación es, sobre todo, una transformación del espíritu de elBulli. Ir a otro lugar habría representado una ruptura, no una evolución.

¿Qué miembros del equipo formarán parte de esta nueva etapa?

En principio, Ferran Adrià y Juli Soler serán los patrones de la Fundación. Albert Adrià también estará en el patronato. En el organigrama de la Fundación estará el equipo base, las personas que desde hace años forman el núcleo duro de elBulli.

¿Quién formará parte del consejo asesor de la Fundación?

Cuando esté efectivamente constituida decidiremos quiénes lo integrarán, pero en cualquier caso serán personas relacionadas con la creatividad, y que puedan aportar una visión crítica y constructiva.

¿Cuándo será activo el centro creativo?

A lo largo de 2014, aunque no hay una fecha concreta y no es posible saber ahora si será hacia principios o mediados de ese año. Todo dependerá del desarrollo de las obras, del concepto final y del modelo organizativo.

¿Por qué un centro creativo?

A lo largo de la historia de elBulli ha sido frecuente que se produjeran cambios en la organización o en la filosofía que representaron momentos muy importantes en la evolución del restaurante: el cierre invernal, el nacimiento del taller, la decisión de eliminar la carta, de no servir al mediodía...

El momento actual debe entenderse como un punto de inflexión en este sentido. Y lo que creemos es que la transformación que ahora corresponde es la de convertir elBulli en un centro creativo. Pensamos que el concepto de restaurante, tal como lo estábamos entendiendo y desarrollando en elBulli, podía constituir el campo ideal de experimentación como máximo dos o tres años más, y que pronto necesitaríamos otro escenario. El centro creativo nos permitirá crear justamente muchos escenarios diferentes.

¿Cómo será una jornada de trabajo diario?

Como dice el lema, en principio no habrá reglas. Pero seguramente la idea es que se empiece con una reunión de brainstorming con todos los creativos en la sala prevista para este fin, en la que se hablará de lo que se ha hecho el día anterior y lo que se prevé para ese día. Habrá una parte de creatividad teórica que se desarrollará en el Ideario, y luego se creará en la cocina.

¿Los cocineros o stagers de otros sitios podrán compartir información con la Fundación?

Sí, a través de Internet. De momento estamos analizando el sistema que adoptaremos; no sabemos todavía si implantaremos un sistema con un código abierto o un código cerrado; el sistema tiene que ser lógico y viable. Está claro que se creará una comunicación entre todo el mundo, y veremos hasta qué punto los participantes tendrán un rol activo o más bien de seguimiento pasivo.

¿Cómo se seleccionarán los colaboradores?

El nombre que les damos, colaboradores, no es casual, y es el que adoptamos de momento. No queremos que se consideren stagers ni becarios. Serán unos quince por temporada, sobre todo cocineros, además de cinco más de otras disciplinas, como diseño, audiovisuales, arquitectura, en definitiva, creativos. En primer lugar efectuaremos una preselección por Internet, en base al currículum, y luego unas pruebas en la propia Fundación. Se elegirán con un año de antelación, de modo que ya lo sepan con suficiente tiempo como para que, una vez escogidos, puedan entrar en contacto entre sí a través de una web interna creada para este fin. Sin lugar a dudas, uno de los secretos del éxito del proyecto será el rigor con que se efectúe la selección. Mi colaboración con Harvard será muy interesante en este aspecto, ya que son un ejemplo a seguir. Allí trabajan los mejores, no hay lugar para recomendaciones o atajos que no tengan que ver con los méritos o las cualidades de cada persona.

¿Podrán ser profesionales de sala?

Tanto los profesionales de sala como los del mundo del vino tendrán cabida en este proyecto, obviamente. Entre los quince colaboradores citados se cuentan no sólo cocineros, sino también personal de sala. Pero de hecho, así ha sido siempre en elBulli, donde nunca ha habido una separación radical entre estos dos mundos.

¿Se ha previsto que cobren por estos meses de colaboración?

En principio se prevé que habrá unos honorarios para los colaboradores, de modo que el dinero no sea un impedimento para el talento. Hay que pensar que hay gente que procede de países en vías de desarrollo, y que quizás tendrían más dificultades por venir. Este dinero les ayudaría en todo lo relacionado con la vivienda, por ejemplo, así como con los viajes, que también sufragaríamos desde la Fundación.

¿Los antiguos empleados o stagers podrán venir a elBulli a colaborar?

Pensamos dedicar algunos días al año a recibir a antiguos empleados o stagers. Para nosotros siempre ha sido muy importante, y lo seguirá siendo, mantener este nexo con ellos.

¿Habrá ocasiones para que venga gente a probar lo que se hace en la Fundación? ¿Cuánta gente vendrá?

Cuando hablamos de cocina, está claro que tiene que haber un feedback, pues de otro modo no tiene sentido. Vendrá gente a comer, pero no habrá ninguna regla fija, y cada año puede ser diferente. En cualquier caso está claro que no habrá reservas, y podrán venir desde una clase de adolescentes hasta el gourmet más exclusivo del mundo. No queremos ninguna atadura, porque está claro que la primera misión de la Fundación no será la de dar de comer, sino la de crear.

¿Cómo y cuándo se explicará lo que se descubra en la Fundación?

La idea es que se produzca prácticamente en tiempo real, cada día. A causa de la rapidísima evolución de la tecnología tenemos que ser muy cautelosos a la hora de explicar cómo será esta comunicación en concreto. Dentro de tres años no sabemos a qué nivel estará la información audiovisual. Pero en principio prevemos un análisis diario de lo que se ha creado, lo cual por otra parte se irá introduciendo en el archivo digital de ideas.

¿Con la Fundación se elimina la presión y la competencia?

Con esta nueva etapa cambiamos de escenario, de restaurante a fundación. Pero la presión existirá, y será muy grande, se producirá a diario. Nuestra presión será crear cada día, y debido a la autoexigencia que nos hemos planteado de comunicar inmediatamente lo que vayamos creando, de hecho estaremos expuestos a las miradas y al jucio de todo el mundo. Pero esto nos estimula, de hecho la presión es necesaria para crear.

La creatividad que se desarrolle, ¿será exclusiva para restaurantes de alta gastronomía?

No, será para todos los restaurantes, y sobre todo para aquellos que no dispongan de tiempo para la creatividad. De hecho, los restaurantes punteros generalmente ya desarrollan la creatividad con sus propios ritmos y en sus propios espacios. Pero hay miles de restaurantes con horarios de trabajo que no permiten un momento o un espacio para la creatividad. En la Fundación podrán nacer ideas que tal vez no sean ultravanguardistas, pero que sirvan para otros tipos de restaurantes.

¿Un restaurante de cocina tradicional podrá sacar ideas de la Fundación?

Es posible que uno de los equipos de la Fundación esté trabajando con recetas españolas, o chinas o de otro país, que nos sirvan de punto de partida para crear. En la cocina tradicional también hay evolución, aunque sea a otro paso, a ritmos diferentes.

¿Habrá rotación de los miembros del equipo? ¿Con qué frecuencia?

El equipo de base será fijo, y estará formado por unas diez personas. Una parte del equipo será externa o free-lance, por ejemplo los sommeliers. Por su parte, los colaboradores permanecerán una temporada, cuya duración podrá ser variable.

¿Va a haber participación activa de los otros grandes cocineros mundiales? ¿Podrán venir?

Habrá un diálogo con los grandes cocineros del mundo. Posiblemente hagamos alguna reunión anual, donde se podrán hacer análisis y balances de la situación de la cocina. Lo que está claro es que acotaremos muy bien los días para no distorsionar el sistema y nuestros ritmos de trabajo.

¿La información que se ponga en Internet será gratuita?

A menos que cambie el modelo operacional de Internet, será gratuita.

¿Se pretenderá que esta información reporte ingresos?

No, y si los reporta siempre serían para reinvertir, como corresponde a una Fundación. En este sentido, en el futuro podría contribuir a financiarla.

¿Habrá algún archivo general en el sistema informático para acceder a las ideas, las pruebas y las recetas de tiempos pasados?

Si, uno de los elementos más importantes será nuestro archivo de ideas. Nuestra labor con el análisis evolutivo y el catálogo general ya es un trabajo hecho, y que nos ayudará a sistematizar toda la información.

¿Cómo va a funcionar la creatividad? ¿Cómo será el equipo creativo?

Habrá una dirección creativa compuesta por cuatro o cinco personas, y luego cuatro equipos formados por cinco personas cada uno, además de otro equipo 'volante', integrado por creativos que no sean de la Fundación, como diseñadores, arquitectos... Ver qué sistema adoptaremos en concreto es uno de los trabajos que nos hemos planteado para estos dos años y medio. Mi colaboración como profesor invitado con Harvard servirá para ordenar toda la información de métodos creativos, de organización relacionada con la creatividad, etc., que son los temas que voy a enseñar en la universidad.

¿Nunca habrá vacaciones? ¿Se estará trabajando siempre mentalmente?

Sin duda alguna es necesario oxigenarse de vez en cuando, por lo que prevemos parar en algún momento. Sin embargo, hay que pensar que, al no haber un servicio diario, seremos cocineros que crean sin restaurante. El cansancio mental relativo a nuestra actividad es una incógnita de momento, aún está por descubrir. De todos modos, no habrá nada inamovible. Como ha sucedido siempre en la historia de elBulli, y como reza el lema de la Fundación, no habrá rutina.

¿Qué hará el equipo mientras elBulli permanezca cerrado?

Nuestra intención es regenerarnos y viajar para difundir el proyecto, prepararnos para cuando todo esté operativo y aprovechar para llevar a cabo todo el trabajo de archivar lo que ya tenemos. Se tratará de concretar la idea y el proyecto del modelo de Fundación a nivel operativo.

¿Qué vinculación tendrá elBullifoundation con Alicia?

Se trata de dos fundaciones complementarias, la primera dedicada a la creatividad en cocina, la segunda con un aspecto más social, de educación, relacionada con la ciencia. En este sentido, es posible que elBullifoundation recurra a Alicia para todos los temas relacionados con la ciencia.

¿Qué pasará con elBullitaller? ¿Se integrará también en elBullifoundation?

En cierto modo el centro creativo es una evolución natural de elBullitaller, que dejará de existir como tal, será un taller con una estructura mayor.

¿Qué implicación tendrá Telefónica en todo el nuevo proyecto?

Telefónica será nuestro partner tecnológico, y como tal nos ayudará en todo lo relacionado con las telecomunicaciones e Internet. El contrato que tenemos firmado se extiende hasta el 31 de diciembre de 2013, pero nada impide que si la relación es satisfactoria prolonguemos la colaboración".