Banksy: un Oscar que ni pintado

AFP

Fuente | ABC

Banksy, el dios padre del grafiti contemporáneo, está animando la carrera hacia los Oscar 2011, que se estregarán el próximo fin de semana en Los Ángeles. La razón: está nominado, y armado con spray y plantillas le está dando un repaso multicolor a la meca del cine para que los académicos sepan lo que vale una pintada. Así lo cuenta Marcia Facundo para BBC Mundo:

"Cada día y mientras más se acerca la ceremonia de entrega de los premios Oscar, aparece en Los Ángeles un nuevo grafiti del artista callejero británico Banksy.

Primero se dejó ver un Charlie Brown aparentemente encendido y luego, precisamente enfrente del edificio que alberga el sindicato de directores de Hollywood, una figura de un lascivo Mickey Mouse persiguiendo a modelos.

En los últimos días han surgido murales de un niño-soldado cuyo rifle está cargado de lápices de color y un perro bulldog orinando, entre otros.

Hay quienes piensan que la invasión del arte callejero en las paredes de varios edificios de la ciudad californiana es parte de una original campaña del artista para que le concedan un Oscar por su película 'Exit through the Gift Shop' (Salga por la tienda de regalos) nominada a los premios cinematográficos en la categoría de mejor documental.

Se trata de su primera película como director, que muestra su particular estilo de 'guerrilla urbana' que consiste en pintar paredes e intervenir espacios públicos, filmarlo todo y huir de la policía.

Otros, seguidores de las obras del rebelde creador, consideran que el grafiti es una especie de epílogo de la cinta, cuyos productores han catalogado como 'la primera película de desastre de arte callejero del mundo'.

Lo cierto es que el elusivo Banksy se encuentra, definitivamente, en Hollywood.

Las obras de Banksy están causando entusiasmo en la ciudad.

[...] 'Banksy, deberías pintar aquí', reza un letrero dejado en una pared en el centro de Los Ángeles.

Mr. Brainwash, un artista callejero local que es el personaje central del documental de Banksy, pintó un enorme mural en el sur de Los Ángeles en el que figura el artista británico convertido en trofeo del Oscar.

Todo el bullicio que está causando el despliegue de arte callejero agrega sabor al misterio que rodea al artista.

La pregunta generalizada es: ¿acudirá Banksy a los Oscar?

Banksy apareció encapuchado y a través de una cámara para presentar su película en el Festival de Cine de Berlín, la Berlinale.

En esta ocasión, el interrogante es, en caso de que se la gane, cómo recibirá Banksy la estatuilla dorada que otorga la Academia del Cine de Estados Unidos".

Poblicidad 'customizada' por Banksy

Fuente | Banksy

ARte COntemporáneo

El Roto

Fuente | El País

30 años de ARte COntemporáneo

Fuente | rtve.es

Entre hoy -para los profesionales- y mañana -para el resto del públicos- se abren las puertas de ARCO, la feria internacional de arte más influyente de nuestro país, que en 2011 cumple treinta años. Antonio Lucas la presentaba así El Mundo:

"Para algunos, la 30º edición de ArcoMadrid 2011 [...] es considerada la edición del miedo. Para otros la de la oportunidad. Lo que si está claro es que la feria apunta a una firme voluntad de cambio, con el proposito de encontrar el modelo más adecuado a la situación y que sea sostenible para lo que pueda suceder en los próximos años.

El encargado de dirigir la cita, por primera vez, es Carlos Urroz que ya ha marcado su propio territorio: en esta edición hay menos galerías -197 que representan a 21 países- así como una apuesta por las nuevas generaciones, tanto de artistas y galeristas, que toman una presencia más definida, como de compradores. Muestra de ello son los espacios 'Opening' (que incluye a 19 jóvenes galerías europeas) y 'First Collector' (que busca atraer a nuevos amantes del arte contemporáneo).

Juana de Aizpuru fundó esta cita internacional hace 30 años. Y aunque el dinero no galopa por sus anchos pasillos como hace un lustro, a la galerista no le sorprende que Arco haya llegado a cumplir 30 ediciones. 'Estaba convencida de que sería un éxito rotundo. Se trataba de abrir una ventana al exterior para nuestros creadores y de propiciar un coleccionismo español que no existía. Y ahora, con Carlos Urroz, la Feria se reiventará', afirma. Un sentimiento compartido por muchos.

Una feria que, no podía ser menos, se ha adaptado a los nuevos tiempos. En esta edición, Arco ofrece la posibilidad de obtener aplicaciones gratuitas para iPhone, Blackberry, iPad... 'Facebook también se ha convertido para muchos de nosotros en un espacio de intercambio de ideas y de apertura de mercado', apunta Nacho Ruiz, de la joven T20.

Clásicos y emergentes conviven en esta edición, pero las grandes firmas de siempre han ido cediendo su sitio. Tàpies figura de un modo más cauto. Chillida también se diluye. Y destacan pintores alemanes como Forgg o Alex Katz, repartidos en varios stands. Y se vuelve a insitir en algunos clásicos del pop, como Roy Lichenstein".

La (ilustrada) pasión privada de Unamuno

Fuente | YouTube EFE

Neurocultura: el futuro

Fuente | Cultura 3.0

Vamos a ponernos serios, que llega el futuro de la mano de Francisco Mora Teruel y Cultura 3.0:

"¿Qué es ese abstracto gigantesco, esa extraña carpa transparente e invisible que cubre las transacciones de los seres humanos y que llamamos cultura? Haciendo una apretada síntesis de las más de 150 definiciones que se han dado, Kroeber y Kluckhohn, hace más de medio siglo, señalaron que 'la cultura es un producto, es histórico, incluye ideas, patrones y valores, es selectiva, es aprendida, está basada en símbolos y es una abstracción de la conducta y de los productos de la conducta'. De todo ello quiero resaltar la característica histórica, es decir, el hecho de que las culturas se suceden con el tiempo, renovando, en esas sucesiones, las lecturas de los valores y las normas que han presidido las interacciones sociales. Y es ahora cuando estamos a las puertas o quizá ya entrando en un nuevo ciclo de cultura. La Ciencia, que forma parte de la vida moderna, es la protagonista de ese nuevo ciclo. En él, aparecerá una concepción nueva y diferente de quiénes somos los seres humanos, y en él, también, habrá nuevas respuestas a las preguntas sobre qué nos hace ser animales morales. Esta nueva cultura posiblemente presidirá los cambios sociales revolucionarios que se avecinan, esta vez basados en el conocimiento de cómo opera nuestro cerebro, órgano productor de cuanto somos y origen último de cómo nos comportamos. Eso es Neurocultura.

Neurocultura es un proceso en el que, a la luz de los conocimientos que aportan las Ciencias del Cerebro, se producirá una reevaluación de las Humanidades. Es un puente a través del cual se van a unir, definitivamente, esos dos grandes cuerpos del saber, las Humanidades por un lado y las Ciencias por otro. Es un proceso en el que se reevaluarán la Filosofía, la Ética, la Sociología y el Derecho, la Economía y el Arte y, desde luego, también la Religión. Y todo ello nos llevará a reevaluar nuestra concepción del mundo, porque hoy comenzamos a saber que nuestro cerebro es a su vez creador y espejo de cuanto sucede y que todo pensamiento y conducta humana residen en su funcionamiento y los códigos que lo sustentan. En realidad el cerebro es ese último rincón donde se mece y crea cada ser humano. Como ha señalado Iñaki Beti, de la Universidad de Deusto, 'la Neurociencia se encuentra en el umbral de llegar a constituir una teoría unificada de lo humano, más allá de la tradicional división de los saberes en humanísticos y científicos. Ello puede suponer un impacto tan grande en la visión de la persona como el que conllevó el darwinismo'.

En definitiva, Neurocultura quiere decir un encuentro entre la Neurociencia, que es el conjunto de conocimientos sobre cómo funciona el cerebro, y el producto de ese funcionamiento, que es el pensamiento, los sentimientos y la conducta humana. Decía Kandel, uno de los últimos premios Nobel en Neurociencia: 'Mientras las Ciencias y las Humanidades continúen teniendo sus propias y separadas preocupaciones, deberíamos llegar a darnos cuenta de que ambas se generan a través de un diseño computacional común: el cerebro humano'. Del estudio de ese diseño (Ciencia) y sus productos (Humanidades) nace el nuevo marco de cultura que venimos comentando.

El epicentro de esta nueva visión que llamamos Neurocultura no nace sólo de la Neurociencia como tal, sino del reconocimiento, una vez más, de que la existencia humana procede de un largo proceso de azar, necesidades y reajustes que han durado millones de años. La Neurociencia, a la luz de ese proceso evolutivo, está desentrañando los mecanismos que elaboran el funcionamiento del cerebro y con ello llegando a conocer cómo percibe y posiblemente 'construye' la realidad que nos rodea. Es ahora cuando empezamos a entender que las elaboraciones perceptivas e intelectuales de nuestros cerebros tienen que ver con los códigos ancestrales anclados y escondidos en sus profundidades. Nada ocurre, ni nada existe del mundo humano, que no haya sido filtrado y elaborado por el cerebro, sea la percepción de una hermosa obra de arte, la elaboración de una compleja formulación matemática o el sentimiento profundo de haber alcanzado a Dios. Si queremos decodificar las percepciones y los sentimientos y los pensamientos e ideas que mueven las sociedades humanas, hay que conocer los mecanismos a través de los cuales ese órgano que llamamos cerebro las produce.

De todos estos planteamientos emergerán preguntas como éstas: ¿cómo han aparecido a lo largo del proceso evolutivo y cómo operan los circuitos neuronales de la corteza prefrontal, claves en los razonamientos y sentimientos morales? ¿Qué códigos cerebrales elaboran la maldad y la bondad y sus significados? ¿Qué mecanismos operan en el control de las emociones y los sentimientos y alcanzan a la planificación responsable de la vida de una persona, a su intimidad y su dignidad? ¿Cuál es el substrato cerebral de las conductas antisociales y cómo pueden ser modificadas? ¿Existe el yo o la mente como entidad única y subjetiva en el cerebro? ¿Cómo crea el cerebro la conciencia humana? ¿Cómo alcanza el cerebro los procesos de abstracción y con ellos el conocimiento y la creatividad? ¿En qué medida saber que nuestras decisiones son producto de la actividad de ciertas áreas del cerebro que codifican para la recompensa va a cambiar el mundo que conocemos y nuestros sentimientos de seres libres? ¿Se avecina una nueva forma de pensar y entender la conducta humana?".

La red se transforma en galería de arte

Paseos virtuales por los museos Reina Sofía y Thyssen-Bornemisza

Fuente | YouTube Google Art Project

Las obras de arte de los mejores museos del mundo ya se pueden contemplar y examinar con detalle desde internet. Entre los centros escogidos para poner en marcha esta iniciativa se encuentran el Reina Sofía y el Thyssen-Bornemisza. Así cuenta Reuters la buena nueva:

"Google intenta llevar a los hogares las grandes galerías de arte de todo el mundo con una nueva página en Internet que ofrece visitas virtuales mediante su tecnología Street View y la capacidad para compilar colecciones privadas e imágenes de alta resolución.

[...] Nelson Mattos, vicepresidente de ingeniería en Google, indicó que la página Art Project (www.googleartproject.com) permitiría a los niños de Latinoamérica, India y África, los cuales difícilmente verán algún día las obras originales, vivir esa experiencia por Internet. 'Lo que realmente representa esto es un gran paso en la manera en que las personas van a interactuar con esas bellas riquezas artísticas de todo el mundo', dijo, añadiendo que Google tiene previsto expandir su página en los próximos años.

Tantos Mattos como diversos directores de museos de arte aseguraron que no importaba cómo avance la tecnología, ya que la nueva página nunca sustituirá la visita física a los museos. 'Obviamente no creemos que esta tecnología impida que la gente pueda acudir a los museos', agregó. 'Esperamos que ocurra lo contrario'.

[...] Amit Sood, un empleado de Google que se involucró en Art Project desde el principio cuando su jefe le dejó tiempo libre para iniciativas personales, explicó cómo la compañía utilizaba la tecnología de Street View para desarrollar las visitas virtuales.

Las cámaras fueron instaladas dentro de las galerías vacías después de que el público abandonara los museos, pudiendo hacer un recorrido virtual de 360 grados por las obras de diversas salas. De momento se pueden acceder a un total de 385 salas, a la espera de que se añadan más. Cada uno de los 17 museos que se involucraron en el proyecto también decidieron coger una obra de arte para que fuera fotografiada utilizando una tecnología de captura fotográfica llamada 'gigapíxel', que cuenta con una resolución de 7.000 millones de píxeles y permite ver con visión microscópica todos los detalles de las pinturas. Al igual que fueron seleccionadas 17 pinturas en gigapíxeles, los museos han puesto también a la disposición imágenes de más de 1.000 obras de arte, permitiendo así a la gente la posibilidad de estudiarlas en detalle a través de un visor para acercar o alejar el tamaño de cada una de ellas.

Por otro lado, los usuarios podrán crear sus propias colecciones, añadir comentarios y compartir sus propias experiencias, abriendo oportunidades en educación.

Mattos aseguró que no había ningún interés comercial por parte de Google en el proyecto, subvencionado por la compañía. Sin embargo, Mattos declinó comentar cuál fue su coste.

Entre las galerías que aparecen en la página se encuentra la Uffizi de Florencia, el Palacio de Versalles de Francia, el museo Kampa de Praga, el Museo Van Gogh de Ámsterdam y el museo State Hermitage de San Petersburgo".

La restauración: (arte y) oficio

Durero | Adán y Eva | 1507

Fuente | Museo del Prado

El brillo de la Cultura (con mayúsculas) esconde un puñado de minúsculos oficios -forzados a malvivir en la sombra del olvido- si no menores, sí menospreciados: sin duda por falta de conocimiento. Contribuyen a que lo creado tiempo atrás permanezca, mas no los valoramos cuando una firma reconocible nos ciega el entendimiento. Por eso merece la pena leer este breve homenaje de Gabriel Albiac a los restauradores publicado en ABC Cultural:

"La obra de arte es una súplica de eternidad alzada sobre materia efímera (toda materia lo es). Escapa al tiempo que la acosa, solo haciendo de la precariedad física en la cual fue forjada, principio de sus metamorfosis. No es inmortal, por más que nos guste llamarla de ese modo. Basta con pasear entre la ruinas atenienses para entenderlo. Pero algo eterno sobrevive aun en la destrucción de la frágil materia de la cual, como nosotros, como todo, su belleza ha sido hecha. Eso queda en la memoria, como un lugar sagrado. Aunque sea la memoria, desde luego, la que tantas veces inventa la obra imaginada, allá donde de la real se perdió todo. Nuestra Grecia es, así, una limpia geometría de mármol blanco. ¿Qué importa si la Grecia real era polícroma? Nuestro fantasma de Grecia no admite ser afeado con colores. Y ese fantasma

-no Grecia- es el que nos hace griegos.

El del restaurador es un tenaz combate con el tiempo. Que será al fin vencedor, porque el tiempo acaba por horadar todo. Es el mal, el tiempo, como aquilata Ezra Pound. Por eso es tan hermoso darle batalla perdida.

El Prado muestra durante estos meses un ejemplo exquisito de esta batalla contra lo precario: 'Adán' y 'Eva', dos óleos prodigiosos sobre panel de pino realizados por Durero en 1507. Hace medio milenio: o sea, nada. Luminosos ahora, como los quiso la clara geometría de aquel oscuro alemán que, después de haber leído La divina proporción, de Luca Pacioli, supo fijar su propio canon, más esbelto, en esos dos paradigmas humanos de tamaño natural, en desnudez fluida y sosegado abandono al ojo que los mira.

Basta con dar la vuelta para admirar el prodigio del artesano contra la erosión de estos cinco siglos. Los bastidores de madera que restablecen la solidez del pino, muy deteriorado, sobre el cual Durero pintó a Adán. El casi intacto dorso de la tabla de Eva. Volver a ver la obra como la vio su autor al terminarla. Ese milagro de combatir al tiempo y de no ser vencido".

Ilusión (óptica)

Fuente | Pelotón69.com

Aunque no lo parezca, esto es, simplemente, una escultura realizada a partir de troncos de árboles.

El arte imita al arte

Hace ya algo más de tres años, el ilustre ilustrador Fernando Vicente se topó, sin querer, con un 'homenaje' internacional a una de sus obras más populares, la serie 'Vanitas'. Fue enredando en Spotify donde fue a dar con una imagen de la cantante de R&B Kelis que se parecía (demasiado) a un par de dibujos suyos.

Copia y originales

Fuente | Fernando Vicente Vanitas

Pero se ve que 'Vanitas' es una fuente de inspiración constante, porque a Ángeles Agrela se le ha ido la mano con las similitudes y, en la muestra que actualmente exhibe en la galería Magda Bellotti, que ha titulado de manera imprudente como 'La profundidad de la piel', fusila directamente varios de los originales de Fernando Vicente.

Originales y copias

Fuente | Fernando Vicente Vanitas

Ya se sabe: el arte imita al arte.

Adiós a Oppenheim, pionero del Land Art

Fuentes radiantes del Aeropuerto Internacional Bush de Houston (Texas) | 2010

Fuente | dennis-oppenheim.com

El pasado fin de semana murió Dennis Oppenheim, uno de los representantes capitales del arte universal del último medio siglo cuya obra se encuentra expuesta en los más prestigiosos museos del mundo y en ciudades de todo el planeta. En España, desde que instaló en el Paseo Zorrilla de Valladolid su escultura 'Homenaje al Cine' en 1998, realizó esculturas para Palma de Mallorca, Mula, Murcia, Medina del Campo y Navalcarnero. El crítico Fernando Castro Flórez destaca hoy su trascendencia en ABC:

"Dennis Oppenheim (nacido en Electric City, Washington, en 1938) desplegó, con enorme radicalidad, una obra que tiene tanto que ver con el conceptualismo como con el Land Art, que está siempre vinculada a la corporalidad y mantiene su dimensión procesual. Desde su famosa fotografía con el libro de 'tácticas' en el pecho y la marca dejada al estar expuesto a la luz solar hasta 'Directed Seeding-Cancelled Crop' (1969), donde plantó un campo de trigo para que surgiera una enorme equis como si fuera el objetivo para un bombardeo, desde el muñeco que se golpeaba la cabeza contra la campana a los perros muertos sobre los sintetizadores, Oppenheim no cejaba en su empeño de producir obras de una enorme intensidad en las que la violencia de nuestra época estaba alegorizada.

Una de sus más imponentes piezas de Land Art fue 'Annual Rings' (1968), que consistió en trazar una serie de anillos concéntricos, alegóricos del crecimiento de los árboles, en una zona fronteriza entre Canadá y los Estados Unidos. Algunos intérpretes sugieren que esa intervención aludía al sacrificio de la juventud americana en la guerra de Vietnam y a la decisión que algunos tomaban de desertar pasándose al país vecino. Ciertamente, Dennis Oppenheim estaba considerando la idea de lugar, lejos de la mistificación romántica o de la mera megalomanía espacial, como algo definido socialmente. Así, un año antes había realizado un trabajo que consistía en colocar una serie de postes para demarcar o delimitar lugares. 'Bastaba -dijo este artista- el simple acto de clavar una estaca y sacarle una fotografía y delimitar donde se encontraba en el mapa y describiéndolo en un documento. Ya no se trataba de la necesidad de replicar, duplicar o manipular la forma'.

A finales de los setenta Oppenheim comenzó a realizar una serie de obras que denominó 'factories', construcciones de máquinas que guardan cierta semejanza con las 'autodestructivas' de Jean Tinguely. En las últimas décadas hizo otro quiebro con sus ciervos que arrojaban fuego por la cornamenta. Su inquietud y sarcástico sentido del humor le llevaban, una y otra vez, a plantear piezas inverosímiles, a darle la vuelta a lo convencional como en sus proyectos públicos en los que, literalmente, ponía las casas boca abajo".

Picasso: el artista comprometido

Ilustración | Mikel Jaso

Fuente | Público

Se mostraba muy duro el pasado jueves en Público el profesor Vicenç Navarro (cargado de razón) con un artículo del crítico John Richardson publicado en The New York Review of Books -la revista intelectual más prestigiosa de EEUU- sobre Picasso y su compromiso político, a raíz de la exposición de las pinturas del pintor malagueño sobre el tema 'Libertad y Paz' -que se está exponiendo en Viena y se presentará después en Copenhague-, y denunciaba el "objetivo del 'establishment' artístico de EEUU (que es profundamente conservador)" de "despolitizar el arte, marginando o desdeñando el arte comprometido en el proyecto de cambio de la sociedad". Así desmontaba el experto en Ciencias Políticas las tesis del historiador del arte británico:

"En este objetivo de despolitizar el arte, se enfatiza la vivencia existencial del artista sin ninguna reflexión sobre el contexto político que la configura. Ello explica que John Richardson llegue a atribuir las variaciones en el arte de Picasso, primordialmente, a los cambios de amantes y la influencia que estas tuvieron -según Richardson- en el pintor. Es cierto que cita que Picasso fue miembro del Partido Comunista desde el año 1944 y que nunca dejó de serlo, pero trivializa este hecho como si fuera una mera anécdota sin importancia. En realidad, dice que los vaivenes políticos de Picasso (le atribuye erróneamente ser monárquico antes de la Guerra Civil) eran tan constantes como los cambios de amantes.

Picasso, en realidad, fue un artista profundamente comprometido con la causa republicana en España. Su compromiso fue constante, durante y después de la Guerra Civil y colaboró con las fuerzas antifascistas que lucharon por el restablecimiento de la democracia en España. La biografía enormemente insuficiente y sesgada que ha preparado El Prado reconoce tímidamente este compromiso del pintor, definiéndolo erróneamente como un liberal. Picasso nunca fue un liberal, por mucho que ahora esta definición esté de moda. En realidad, el Partido Liberal fue un partido que apoyó el golpe militar.

Durante la Guerra Civil, Picasso se puso a disposición del Gobierno republicano. Nombrado en su ausencia (dos meses después de que se iniciara la sublevación militar) director de El Prado, le afectó profundamente que la Legión Cóndor, la aviación nazi alemana, pudiera bombardear ese museo, lo cual determinó que se desplazaran gran número de cuadros a Valencia y más tarde a Ginebra. Picasso contribuyó con cantidades significativas aportadas de su bolsillo para pagar el coste del transporte (75 camiones), una de las medidas más exitosas de transporte de obras de arte durante la guerra. Sólo dos cuadros fueron dañados: uno de ellos de Goya. Algunos de los guardas de los camiones fueron detenidos por los franceses y entregados a los nazis, quienes les llevaron a Mauthausen.

Durante la dictadura, Picasso ayudó activamente a la resistencia antifascista. El grado de ignorancia de John Richardson sobre este hecho es enorme. Por ejemplo, llega a indicar que Picasso estuvo en contacto con círculos próximos al dictador, citando sus contactos con el torero Dominguín, al que asume cercano a los círculos fascistas. En realidad, Dominguín colaboró con la resistencia antifascista siendo un hombre de ideas antifascistas.

Una última nota. Picasso ha sido uno de los pintores que más coherencia han mostrado en su vida. [...] desde el principio hasta el final mostró su horror por la guerra, por el nazismo y por el fascismo, y por todos sus semejantes que todavía persisten. Y ahí quedan su 'Guernica', 'La violación de las Sabinas', 'Masacre en Corea' y muchos otros cuadros, piezas que continúan siendo relevantes [...].

Querer presentar a Picasso como apolítico y carente de compromiso es una mezquindad y una ofensa a su memoria y a la de miles y miles de artistas que defendieron los valores de la justicia pagando un enorme coste por ello. Para Picasso, tal coste fue -como para cualquier exiliado- no vivir en el país al cual dedicó parte de su vida: España. Hay un deber pendiente de España y de El Prado hacia Picasso. Debería hacerse una exposición de las pinturas del artista que mostraran su amor a su país y su compromiso con la democracia en España".